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Ateliers théâtre
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Les ateliers de créations théâtrales proposés par LE QUI-VIVE, sont destinés aux amateurs. Ils sont néanmoins envisagés d’un point de vue professionnel. Les groupes sont constitués dès les premières séances puis ne bougent plus. Une forte motivation est demandée ; nous insistons sur l’assiduité et la ponctualité des élèves comédiens aux ateliers. Ainsi toutes les conditions sont réunies pour explorer tous les plaisirs de la scène !

Chaque atelier est dirigé par un·e metteur·e en scène professionnel·le dont l’objectif est de créer un spectacle présenté aux soirées inter-ateliers et au festival de théâtre amateur LEVER DE RIDEAU, dans des conditions techniques professionnelles.

Direction d’acteurs Adultes

Quatre ateliers de création sont proposés à destination des adultes. La distribution se fait selon le niveau de l’élève comédien et de son expérience théâtrale.

LUNDI
Heure
 : 19h45
Metteur en scène : Vincent Petit
Type d’atelier : Niveau débutant
Durée : 3h

MARDI
Heure
 : 20h00
Metteur en scène : Nicolas Dégremont
Type d’atelier : Niveau confirmé
Durée : 3h

MERCREDI
Heure
 : 19h30
Metteur en scène : Nicolas Dégremont
Type d’atelier : Niveau intermédiaire
Durée : 3h

JEUDI
Heure
 : 19h30
Metteur en scène : Nicolas Dégremont
Type d’atelier : Niveau intermédiaire
Durée : 3h

Direction de jeunes acteurs 11/18 ans

Deux ateliers de création sont proposés à destination des adolescents. Un atelier de théâtre pour les 11/14 ans et un atelier de théâtre pour les 14/18 ans.

MARDI
Heure
 : 18h00
Metteur en scène : Nicolas Dégremont
Type d’atelier : Ados lycéens 15/18 ans
Durée : 2h

MERCREDI
Heure
 : 17h30
Metteur en scène : Eric Momplay
Type d’atelier : Ados collégiens 11/14 ans
Durée : 2h

Direction et formation d’acteurs

Dans la direction d’acteurs que nous proposons, s’exprime l’exigence des fondamentaux indispensables pour l’apprenti comédien. À savoir la découverte et l’apprentissage des notions que sont : l’improvisation, l’objet, l’espace, le corps, la voix, le texte et le costume. Nous proposons aux comédiens d’emprunter et de découvrir ces fondamentaux afin qu’ils explorent différents univers théâtraux pour en tirer toute la substance menant à la rencontre, au plaisir du jeu, et à la création.

L’improvisation

L’improvisation est un élément important et nécessaire à la formation de l’acteur. Elle est utilisée pendant les échauffements, pendant la recherche de la construction du personnage que l’élève va être amené à interpréter, ou pendant les répétitions d’une pièce de théâtre.

Elle fait appel aux différentes techniques de l’art dramatique mais aussi au chant et à la danse, et permet de développer la créativité, l’écoute et l’échange chez le comédien.

L’acte de création est suscité de manière permanente, principalement à travers l’improvisation, première trace de toute écriture.

Dans ce premier monde nous explorons plusieurs terrains que sont :

  • la rencontre
  • le premier instant
  • le rapport à l’autre
  • le moment juste avant la parole
  • les premiers mots
  • la découverte de soi
  • la découverte de l’autre
  • la découverte de l’espace (apprendre à l’appréhender)
  • le langage du corps

Puis peut venir l’improvisation collective…

La voix

Il y a la voix de tête, c’est la voix trop haute et mal placée, la voix trop basse, trop grave et inaudible, la voix déraillante, gênée par un chat dans la gorge, la voix timide et hésitante, la voix blanche, la voix trop forte, agressive ou assourdissante, puis il y a le médium… c’est la voix bien placée, la voix pleine, la voix chaude, la voix dont l’articulation, le phrasé, et le volume sont adaptés à l’espace sans force.

Savoir trouver et placer sa voix c’est aussi savoir bien respirer par le bienfait indispensable de la respiration ventrale.

Une voix doit toujours dire la vérité.

Le texte

Aborder un texte au théâtre c’est redonner naissance à l’écriture de l’auteur. S’approprier un texte, c’est s’emparer des mots qu’il contient, en comprendre le sens, c’est essayer de s’inspirer au plus près de l’esprit et de l’univers de l’auteur.

Les phrases, les mots, les silences du texte, il faut tenter de les voir, les comprendre, les restituer, les aimer, les articuler, les faire entendre, les dire, les respirer, les retenir, les souffler, les murmurer, les partager, les crier, les pleurer, les rire, les donner, les offrir, les tordre pour essayer d’en faire les siens.

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L’objet

L’objet symbolise à lui seul l’essence même du théâtre, il est la théâtralité. Grâce à lui le spectateur découvre en un regard le lieu, le temps et l’action. Quelques objets sur scène suffisent à dire d’emblée où se déroule l’action. C’est une communication visuelle immédiate. Vêtements et objets, (ou éventuellement leurs absences) parlent à leurs manières.

Mais l’objet peut être aussi détourné de sa fonction initiale, il peut être suggéré ou transformé, il peut être abandonné de sa fonction réelle. Il développe l’imaginaire et conduit l’acteur peu à peu à créer l’illusion théâtrale. Au théâtre aucun objet n’est jamais muet.

L’espace

L’espace vide ou plein, appréhender un espace de jeu, faire corps de tout ce qu’il contient ou de son vide. En faire son allié, son support. Savoir l’occuper, le remplir, s’y placer, s’y déplacer, le posséder totalement, partiellement ou tout au contraire s’en faire absorber pour lui donner le rôle principal.

L’espace défini de jeu, est un volume dans lequel l’acteur évolue en connaissance absolue de ses moindres angles, courbes, reliefs, hauteurs, contours et passages obligés. L’espace nait d’une organisation anarchique.

Le corps

Apprendre à utiliser son corps pour exprimer des sentiments, des sensations, c’est aussi se découvrir soi afin de pouvoir donner corps à un personnage.

Il est important de se sentir dans son corps, d’avoir conscience de toutes les parties dont il est constitué pour pouvoir appréhender l’espace, le jeu, l’objet, le rapport à l’autre. Explorer ses multiples possibilités, son élasticité, sa souplesse, sa force, ses énergies, sa puissance, son dynamisme. Apprendre à le contrôler de ses élans instinctifs.

Le corps doit être aussi le langage le plus efficace possible, et de lui doivent provenir des gestes qui parlent juste.

Le costume

Moyen de métamorphose, le costume est un des signes visibles du théâtre. Il est à la fois réel et irréel : réel par ses liens avec le vêtement d’une époque, irréel parce qu’il est chargé d’une signification plus forte, celle d’un véritable code vestimentaire.

Travailler un personnage en tant qu’acteur nécessite un travail de réflexion et d’imagination, aussi le costume apparaît donc comme une « extension » qui fluidifie le jeu d’acteur mais qui sert surtout de point de repère au public afin d’aider à comprendre qui est qui. Il doit communiquer sur le personnage, son âge, son rang social, sa profession, le costume de théâtre doit être considéré comme un langage.